Un rincón para el arte contemporáneo imprescindible junto a la Puerta de Alcalá

Del apoyo a la creación contemporánea nació el proyecto internacional Colección SOLO. Una colección de arte contemporáneo con más de 900 obras de artistas de todo el mundo frente a la Puerta de Alcalá. Vinculados con el entorno creativo y amantes del arte, fueron sus propios fundadores, Ana Gervás y David Cantolla, los que comenzaron a darle forma a través de compras de piezas durante sus viajes. Y llegan hasta esta sede en Madrid (Pl. de la Independencia, 5), movidos por la necesidad compartir esta imponente muestra y dejar de disfrutarla en la intimidad de sus casas.

El arquitecto madrileño, Juan Herreros, fue el creador de Espacio SOLO, que recibió el primer Premio COAM 2018 y que abrió sus puertas hace ya cinco años. Desde entonces, forma parte de la «milla del arte» de la ciudad, que incluye los Museos del Prado, Reina Sofía y Thyssen-Bornemisza. A diferencia del resto, este desarrolló en paralelo con la propia colección, concebida desde el principio como un entorno dinámico y versátil. Cuenta con una estructura laberíntica, que invita a los visitantes a dejarse llevar por su entorno y las obras de arte distribuidas por las diferentes estancias. «Nuestro espacio no es un museo al uso, puedes recorrer la exposición a través de las clásicas salas “blancas”, clásicas en cualquier espacio expositivo, pero también por zonas menos convencionales, nuestros espacios domésticos», dijo Óscar Hormigos, director creativo de la colección a LA RAZÓN. Con las que dan la posibilidad a los visitantes de consumir el arte de una forma más cercana les hagan sentir como si estuviesen en una casa. Esto es solo un ejemplo del importante pilar que supone el espacio para la Colección SOLO.

A pesar de sus 1.500 metros cuadrados, solo una tercera parte de la colección completa puede verse allí. De esta, una parte la compone una muestra permanente y otra de exposiciones temporales que rotan una vez al año. Dada su extensión, el próximo año abrirán un nuevo espacio con más de cuatro mil metros cuadrados de extensión en la Cuesta de San Vicente. Solo este museo reúne a más de 270 artistas de una diversidad cada vez mayor de países y antecedentes artísticos. Entre las que se encuentran reconocidas figuras que se suman a artistas emergentes y sus aproximaciones innovadoras.

Una puesta en valor de la riqueza que suponen las conexiones que existen a través del tiempo y de geografías entre diferentes tendencias creativas, culturales y estéticas. Con fondos que van desde la pintura figurativa hasta la escultura cinética, desde el arte sonoro hasta los nuevos medios y el arte de Inteligencia Artificial. Mario Klingemann o Egor Kraft, son ejemplo de artistas de esta última especialidad, que se suman con reconocidos artistas new media como Wu Tien-Chang, Lee Nam Lee o Nam June Paik. Por su parte, la pintura figurativa está representada por artistas como Neo Rauch, Miriam Cahn o Danny Fox en una colección dinámica que también aborda la escultura contemporánea y el arte objetual con artistas como David Altmejd, Glenda Leon o Nina Saunders. El post-pop también está presente con las obras de artistas como KAWS o Keiichi Tanaami, entre otros.

Es precisamente, por la variedad y complejidad de alguna de sus obras por las que todas las visitas se hacen de forma guiada y gratuita. «Para nosotros es fundamental poder compartir la propuesta de la colección, por eso las visitas son gratuitas y guiadas», señaló Hormigos. Y es para la creación de muchas de ellas los artistas buscan mucho la experimentación. Este es, precisamente el tercer pilar de este proyecto. «Buena parte de los recursos de este proyecto están dedicados a nuestras líneas de apoyo a la creación, a través de premios internacionales, convocatorias, ayudas a artistas, becas…», apuntó.

Después, son las obras de los artistas los que invitar a abrir una reflexión o un diálogo. En el caso de «Protection No Longer Assured», la última inaugurada y que se podrá visitar hasta final de año. Esta invita a pensar sobre la idea de lo sublime: «Es un concepto muy presente a lo largo de la historia en el pensamiento occidental, desde el punto de vista del Romanticismo al más contemporáneo sublime digital. Buscamos abrir una conversación sobre lo que nos atrae y a la vez nos aterroriza», señaló. En un momento dominado por la disrupción tecnológica, la desinformación, los conflictos armados y la emergencia climática, esta nueva exposición reúne a una treintena de artistas contemporáneos que desde sus distintas perspectivas y medios nos proponen una reflexión sobre las distintas visiones de lo sublime. KeiichiTanaami, Justin Matherly, Mika Rottenberg, David Altmejd, Glenda León, Paco Po-met o Dagoberto Rodríguez dialogan con artistas como Grip Face, Haroshi, SantiagoTalavera, Jorge Ríos, Ruby Swinney o Uyss3s, entre otros.

Arranca con «La liberación del mito», una obra de Sandra Vásquez de la Horra, Horra ganadora del Premio de Adquisición de la Colección SOLO en ARCO 2023. La artista expresa su paisaje a través de un cuerpo, en el que funde experiencias de resistencia política con re-flexiones místicas en torno a los chakras o centros energéticos corporales. Su serie «Catalogue of Eccentricity» (2017) aúna elementos americanos del siglo XX, como pin-ups, personajes de dibujos animados y superhéroes «vintage», con elementos de la ilustración tradicional japonesa y el manga. La psicodelia -lo «sublime químico»- define las escenas estridentes y explosivas de este artista que a menudo se refieren al bombardeo de su casa de Tokio durante la Segunda Guerra Mundial.

Y para acabar, la muestra abre la conversación sobre lo sublime tecnológico contemporáneo con obras creadas gracias al uso de la inteligencia artificial (AI) como «The Garden of...exhibition versión» (2023) del artista alemán Lars Nagler, ganador del premio de experimentación con inteligencia artificial SOLO AI ‘23 AWARDS.