Damien Jalet: "La humanidad tiene que reevaluarse"

El encuentro de 1995, en Japón, entre el coreógrafo Damien Jalet (1976) y el escultor Kohei Nawa (1975), creador y escenógrafo que explora la relación entre los mundos natural y artificial, fue la chispa que trae este fin de semana "Vessel" al Grec de Barcelona. Escultura y coreografía se funden en una propuesta escénica que habla de las contradicciones que presenta el cuerpo humano, "entre deterioro y regeneración, entre el estado sólido y el líquido, entre la anatomía y la mitología...", presentan. Siete intérpretes bailan una composición del artista electroacústico Marihiko Hara y obras de Ryūichi Sakamoto. Jugando con las características anatómicas de los y las intérpretes, la coreografía de Vessel desarrolla su propia mitología, en parte inspirada en el "Kojiki", el libro mitológico japonés más antiguo que evoca la creación del mundo, y expresa el conflicto entre el cuerpo y el espíritu a través de lo que definen como "una danza única". Elementos sólidos, líquidos y gaseosos integran la escenografía de un montaje en el que a duras penas se sabe si se está viendo a un o a una intérprete: tal es la habilidad de los artistas para ocultar su rostro en una creación protagonizada por seres anónimos que no tienen género conocido y que quizá sugieran incluso criaturas no humanas. Una danza escultural, en definitiva, que transciende todas las fronteras entre géneros artísticos. Es este el primer montaje que presenta en el Grec Jalet, autor de unas creaciones que a menudo enlazan la danza con otros géneros artísticos que van desde las artes visuales o la moda hasta el teatro, la música o, como en este caso, la escultura.

−¿Cómo se une un coreógrafo y bailarín europeo con un artista japonés? ¿Desde los puntos de unión o, por el contrario, inciden en las diferencias?

−Más allá de nuestras diferencias culturales, tenemos mundos diferentes y medios de expresión muy diferentes. Desde que descubrí el trabajo de Kohei (un poco por accidente en 2013) sentí que buscaba algo en común que ni siquiera podía articular con palabras. Supongo que colaborar fue una forma de averiguarlo. Kohei habla a menudo de una perspectiva cósmica, observa una realidad desde un punto de vista diferente. Sus obras combinan lo micro y lo macroscópico, logra revelar la esencia de la organicidad a través de medios inorgánicos. Su trabajo está hecho con extremo rigor científico, pero es casi mitológico. Era muy importante para mí no pedirle que hiciera un diseño de escenario, solo quería que indagáramos en nuestras obsesiones comunes y creáramos algo que estuviera en la intersección exacta de nuestras prácticas mutuas. Aprendimos mucho unos de otros intercambiando lo que nuestro arte nos ha enseñado, el idioma y la cultura fueron sin duda un obstáculo enorme en muchos momentos, pero con tiempo y perseverancia supongo que logramos fusionar nuestros puntos de vista en un trabajo común donde ambos somos claramente identificables, pero donde la contribución de cada uno es inseparable de cada uno.

−Juega mucho con las contradicciones del cuerpo humano. ¿Está obsesionado con los límites de nuestro cuerpo?

−Supongo que me interesa más el impulso que nos habita de trascender los límites más que los límites mismos. El cuerpo humano puede sentirse como el hogar más familiar y, sin embargo, cuando realmente te enfocas en él, te das cuenta de lo extraño que es. "Vessel" invita a la audiencia a mirar el cuerpo desde una perspectiva en la que parece que ya no es humano. Es la exploración de un límite y un intento de disolverlo. Un intento de explorar la naturaleza cambiante de la vida que nos habita, más allá de nuestra autoproclamada humanidad. A nivel personal creo sinceramente que la humanidad se encuentra en un lugar decisivo donde necesita urgentemente reevaluarse a sí misma. Necesita reequilibrar su posición entre otras especies no humanas.

−¿Estás obsesionado con envejecer?

−Probablemente más obsesionado por el concepto de mortalidad con el que está asociado. Aunque no considero la muerte como un punto final, sino unos puntos suspensivos.

−¿Cuáles son esos límites que le ha puesto a los artistas?

−Me encantan los límites porque son la mejor manera de revelar nuestro infinito interior, mostrar los recursos de imaginación que desarrollamos para seguir expandiéndonos, creciendo, elevándonos, transformándonos. Cada trabajo que desarrollo trata con sus límites específicos. A veces es una partitura, a veces un rastrillo de 34 grados escenificado, un conjunto que utiliza la lógica de las plantas para alterar nuestra percepción de la gravedad y, por lo tanto, del tiempo. Aquí los bailarines no pueden usar la mirada. Para actuar no pueden mostrar la cara mientras estén en el agua o en contacto con otros materiales líquidos. Soy consciente de que es un límite increíblemente restrictivo, que podría percibirse como algo cruel, pero esos límites permiten otro tipo de forma de actuar para los bailarines. Sé que esta pieza es realmente un viaje para los artistas, increíblemente exigente, muy sensual pero también muy mental, como una inmersión dentro de ti mismo.

−"Vessel" no ves un grupo de varios bailarines, sino un solo ser.

−Así se recuerda que nosotros mismos estamos hechos de muchos seres. Incluso a nivel celular, las células humanas solo representan el 43% del cuerpo. La vida muta constantemente, y lo hace asimilando otros organismos mientras come, o fusionándose con otros cuerpos para crear nuevos organismos que luego se extraen unos de otros. Esta obra puede ser una forma de recordar poéticamente que todos estamos atravesados por una misma vida que se sigue reinventando, reajustándose a un entorno en constante cambio. Como humanos, constantemente nos tamizamos a través de nuestra existencia, tal vez de una manera menos radical que algunos insectos, pero si comparas a un niño recién nacido con una persona mayor, la transformación sigue siendo bastante impresionante. Me gusta el concepto de ritual colectivo, cada ritual tiene una función, tal vez la de la pieza sea un recordatorio de que estamos en constante transición, que nuestra condición nunca es finita, nunca inmóvil, que somos la encarnación de un viaje.

−¿Cómo se hace para mostrar un cuerpo tan "líquido"?

−Ambos estamos fascinados por el agua, que en la ciencia se considera la cuna de la vida, pero en la mitología se asocia a menudo a la muerte. Cuando comenzamos con Kohei partimos de todas las ambivalencias inherentes al cuerpo. Y el cuerpo como un sólido que está hecho de más del 60% de agua fue claramente un punto de partida. Es fascinante que un embrión humano, evolucionando en las aguas, tenga el mismo desarrollo que el de un pez. Coreográficamente, es realmente interesante explorar cómo el flujo, en la columna vertebral, en particular, a través de su intrincada agencia de vertebrados en forma de ola, es increíblemente evocador de esa conexión primigenia con el agua. Con Kohei utilizamos katakuriko, flor de patata muy utilizada en Japón, que tiene cualidades no newtonianas, como cemento para conectar los cuerpos de los bailarines a su escenografía. El material debe mezclarse constantemente a través del aire, para mantener su dualidad de ser sólido cuando lo manipulas y líquido cuando está en reposo, es una reminiscencia de la actividad volcánica que literalmente dio forma a Japón como una isla.

−Conoce bien Japón, ¿qué le inspira de su mitología?

−El libro mitológico más antiguo de Japón ha sido una gran inspiración en nuestra colaboración con Kohei. El "Kojiki" es un libro fascinante. En él, Japón se crea con un terrón de barro arrojado por los dioses. La primera creación de los dioses tiene anatomías alteradas y toda la apertura del libro tiene fuertes connotaciones sexuales. El mundo está dividido en tres niveles "yomi", el inframundo, o infierno, que inspiró la apertura del espectáculo; originalmente compuesto por Ryuichi Sakamoto, la tierra sobre las nubes, que inspiró el final de "Vessel", y en el medio tienes la "tierra central de las cañas", nuestro mundo físico, que es la principal inspiración para nuestra última colaboración llamada "planeta (vagabundo)". También es interesante que en Japón, la mitología a menudo está conectada a lugares existentes, en este país los mundos visible e invisible tienen puntos de conexión. Encuentro esto extremadamente inspirador y trato de dejar que el escenario sea también un punto de contacto.